CRÍTICAS

ENSAYOS SOBRE ARTE

Ignacio Klindworth o la realización estructural del esfuerzo cromático.

Crítica.

Cuando un espectador trata de acercarse a una obra pictórica lo primero que debe ocurrir es que ambos se encuentren.

El caso del trabajo de Klindworth es bis-ceralmente re-presentativo, puesto que en un primer impacto, el que mira se encuentra ante un cosmos de sensaciones y veleidades orgánicas que no se limitan por ningún ángulo. Sin embargo, tras unos segundos la vista se torna críticamente distante, con perspectiva, -una perspectiva que cabría decirse arquitectónica- y el trabajo de Klindworth comienza a tomar forma.

De tal manera que podemos apreciar los límites de sus estructuras. Estructuras que a modo de mapas cartográficamente inconscientes, nos quieren decir la vida que comporta cada uno de los estadios marcados por las texturas, los colores, los planos, los cortes vectoriales y la fusión entre el calor y la frialdad del entorno urbano. Frialdad que en este caso se transforma en dinamismo que construye. No se trata de una realidad urbana estática, pusilánime, que se deja hacer.

El trabajo de Klindworth nos muestra posiciones vitales que nos aturden o despiertan como latigazos orgánicos extrayendo el hálito que desprenden los rasgos semióticos de sus formas. Nos traslada y adentra a la fuerza, en un reconocimiento de lo humano que se identifica con la más radical naturaleza tanto de ser, como matéricamente plástica. Nos envuelve en una arquitectura orgánica.

Klindworth nos muestra reminiscencias de sus viajes, de sus vivencias, de cada uno de sus momentos personales a través de su mirada.

Europa es su seña de identidad, siendo lo Alemán y lo mediterráneo lo pre-dominante en todos sus trabajos. Ya sea bien por los juegos de luz, por la línea, o por la respuesta pulsional marcada en sus trazos. El verde es un color que siempre está presente en sus cuadros a modo de metrónomo que delimita la función del resto de vibraciones acompañado de la fuerza y tirantez del amarillo. Color, que por su inmediatez y destellos permiten que el trabajo de Klindworth mantenga una vitalidad orgánica a través de una propuesta geométricamente fagocitante. Verde y amarillo sumado en ocasiones de forma lateral, a azules y naranjas que en forma de convulsiones de línea y segmentación recortan y concretan la escena en diversos microorganismos.

Así, en sus piezas podemos encontrar un cúmulo de pigmentos que conforman el surgir de la vegetación. Y  podemos vislumbrar una idea ilustrativa, como si mirásemos la realidad a través de un filtro digitalizado.

Pero no queda aquí su trabajo. su experimentación es tan inagotablemente viva como el devenir visual -que se define y re-define en todas direcciones y posiciones- que nos indican sus colores.

Es el trabajo de Ignacio Klindworth una propuesta infinita en lo experimental y honesta en la fórmula.

Ignacio es un pintor de carrera.

Un artista de cocina, cuyos pinceles empastan la masa madre de la concreción de lo real. Ya no se trata de recuerdos o reminiscencias más o menos conseguidas sino que su trabajo nace desde su más interna búsqueda para ofrecernos en las carnes del cuadro la mirada de Klindworth. Esa mirada con la que el autor tropieza cada vez que en medio de la biología en que trabaja -pues su pintura es tan matérica y constructivista como biológica sin lugar a duda- destella su creatividad disparando en la mancha lograda.

Es así Klindworth un autor que vive en el estado de confusión que tendría una rama que quiere ser el metal de los barrotes que rodea. Un autor que trabaja desde la más pura y honesta de las expresiones, mientras permeabiliza la llegada de sus instintos. Instintos, que recibe como intereses particulares y estéticos, sensibles, y que transforma en generatrices de cambio terminando en esquemas y significados crípticos, des-figurados, estructurales y otras veces abstractos, pero que por medio de una serie de ritmos cromáticos orquestales, siempre, tiene claro lo que quería decir.

Si el artista vive de la confusión, vive en la urdimbre que nos suscita la duda entre lo real y lo imaginario, es posible que Ignacio Klindworth sea un pintor verdaderamente confuso.
Un pintor esforzado.

Crítica de Enrique Yañez. Madrid 2017.

www.enriqueyáñez.com/?page_id=6

Madrid 2017.

 

Ignacio Klindworth; entre los brazos de la intencionalidad y la razón crítica.

Crítica de María Fraguas. Madrid 2006.

Crítica. He descubierto en la pintura de Ignacio Klindworth una intención pictórica apasionada que parece surgir con fuerza de entre los brazos de la intencionalidad y la razón crítica.

Esa razón crítica intencionada a la que se han referido, en tiempos pasados, personalidades del análisis pictórico de la talla de Antonio Manuel Campoy y José Luis Arce, y que está implicada en la estética de este pintor al que emparejo —aunque en técnicas diferentes— con Oyoñarte, especialmente en su mutua confabulación con la materia y en la profundidad de sus correspondientes mensajes.

Las formas y figuras de Ignacio Klindworth, interrelacionadas y animadas, intensas y de dicción onírica muy profunda, parecen reclamar la mirada de los espectadores expertos dirigida a estos sueños de color encerrados casi siempre en formas geométricas, que en ocasiones sugieren la ensoñación de una bolsa uterina, esencialidad, iniciación, naturalidad y sinceridad.

Ignacio Klindworth representa de forma deslumbrante una realidad pictórica descriptiva, voluntariosa y evolucionada de las corrientes investigadoras más actuales. Su pintura ofrece una puesta al día de conceptos, esquemas y formas que ha asumido bajo diferentes opciones la actual corriente de nuevos valores europeos procedente esencialmente de Alemania.
Klindworth nos ofrece conclusiones estéticas escondidas de forma soterrada, reacciones quizá inconscientes que obvian las actuales propuestas oficialistas de la formulación pictórica al uso, porque su pintura es refinada, organizada, lógica, inquietante, reflexiva, sugestiva y de poderosa originalidad.

Este artista nos muestra una visión cosmopolita más amplia y profundamente matizada de la pintura, que nos ayuda a entender mucho mejor el actual periodo artístico nacional, más acorde con el momento europeo, conservando, sin embargo, sus principios de originalidad diferenciadora y profesional.

El pintor se acerca y recrea de forma tangencial a la “cosmografía informática” y universo vinculante y definitivo, cuyo nacimiento coincide con su generación, en un ambiente condicionado por la globalización que determina creaciones dominadas totalmente por las nuevas tecnologías. Ignacio utiliza fundamentalmente los componentes de la pintura clásica para realizar sus composiciones, si bien en la esencia de su cromática, subyacen algunas veces las ánimas de la impresión digital ocupando firmemente el lugar que les corresponde en el mundo artístico actual.

De su formación en el mundo de la fotografía, Klindworth aporta a su pintura esa espontaneidad brillante y necesaria para cualquier opción compositiva; de su experiencia como muralista la capacidad de adaptación a las necesidades estéticas empresariales; de su universo como dibujante el tesoro de las formas, el gran secreto de las perspectivas, etcétera.

No sería de recibo omitir el gran trabajo que ha realizado en su etapa de pintura sobre biombo en la que utiliza variadas técnicas y cuyos originales lucen en muy diversos salones particulares y oficiales, nacionales y europeos.
He aquí un pintor de gran calidad.

Madrid 2006. María Fraguas, Doctora en Ciencias de la Información por la UCM, consultora de comunicación. Autora del libro Teoría de la desinformación. https://www.iberlibro.com/Teor%C3%ADa-desinformaci%C3%B3n-FRAGUAS-PABLO-Mar%C3%ADa-Madrid/18204265013/bd

 

PINTURAS DE IGNACIO KLINDWORTH: SÓLO UN ESCALÓN POR DEBAJO DE LA REALIDAD

Crítica.

“Entre la realidad y el sueño hay una tercera cosa; adivínala…”

Así nos exhortaba Machado a ocupar ese territorio vaporoso que es sede natural de la intuición, del que se entra y sale por puertas que van cambiando de ubicación. La obra de Ignacio Klindworth habita ese solar metafísico y transita ligera de equipaje el espacio intersticial de paredes muy finas que separa lo que creemos ver de lo que vemos. Si algo define la trayectoria heteróclita de I.K. es su habilidad de funambulista para deslizarse de un área a otra de un cosmos que es una sucesión de paisajes interiores fruto de su gran capacidad para trasponer el mundo sensible, a la manera en que la poesía moldea la semántica de las palabras para reconstruir la realidad, después de descomponerla. La herramienta es la intuición, aplicada en un viaje de ida y vuelta que va de lo particular a lo general, de lo infinito a lo infinitesimal. Preparaciones para el microscopio, urbanismos imposibles; cualquier ángulo es bueno para adivinar la realidad que está tan sólo un escalón por debajo de los sentidos. Cada uno de sus trabajos es una red kantiana lanzada al interior de su consciencia, sabedor de que la pesca es imprevisible.

 Kepler buscó a Dios desesperadamente en los textos sagrados y sólo lo encontró en la geometría, en el orden simétrico y mensurable de las cosas. Pero la Historia ha demostrado que en el arte, por imitación a la vida, la distancia más corta entre dos puntos siempre es el camino más largo; I.K. articula un código indescifrable con base en colores y formas irregulares y aleatorias para reordenar el caos que ofrecen los datos sensibles y restaurar el orden que habita toda entropía. Hay una matemática imperfecta e inconstante en la obra de I.K. que se hace y deshace permanentemente y que, como el tapiz de Penélope, consiste en no acabar nunca para terminar antes. Así, los trabajos de I.K. se superponen como fractales y por eso, justo cuando lo figurativo se hace innecesario, la abstracción se presenta como el único camino de vuelta a la realidad.

 

En I.K., la emoción reside en el acto humilde de contemplar, renunciando a juzgarlo, el milagro de belleza que reside en todo lo inexplicable.

 

Agustín Gómez Presas. Abogados. Madrid, 2007 

https://www.linkedin.com/in/agustin-gomez-presas-4a1a0029/

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